Estudo Cromático para o Azul

Imagine que nos encontramos num local ao nível do mar num dia de céu limpo e sem nuvens. Se olharmos para cima, podemos observar o céu com a sua cor azul característica. Agora imagine que estamos no mesmo lugar, mas a bordo de um balão de gás hélio com capacidade para ascender até aos 38.500m de altitude. Durante a subida vamos observando o céu, que vai ficando cada vez mais escuro. Quanto mais alto estamos, menor é concentração das moléculas presentes ao nosso redor, a atmosfera vai-se tornando rarefeita. A cor azul do céu é o resultado da interação da luz com as moléculas presentes na atmosfera. A variação nesta concentração tem um efeito direto sobre o espectro de luz visível; sendo assim, o azul torna-se mais escuro à medida que a concentração de moléculas diminui. Quando finalmente chegamos aos 38.500 metros, olhamos novamente para cima. Agora o céu, antes azul, é totalmente negro. Entre os 0m e os 38.500m existem infinitas possibilidades para os tons de azul do céu. O registo destes tons é o ponto de partida deste estudo.

2011 — 2015

Estudo com garrafa de gás hélio, 2012 — 40×60cm

Arquivo / Archive

Imagens de arquivo recolhidas durante a investigação do projeto — registos técnicos, meteorológicos e fotografias de teste relacionadas com o lançamento de balões de gás hélio em grande altitude.

Caderno Japonês / Japanese Notebook

Páginas do caderno de campo do artista, com anotações, esboços e apontamentos feitos durante o processo de investigação e preparação do projeto.

Coleção de Selos / Stamp Collection

Selos postais de temática meteorológica e aeroespacial, reunidos pelo artista como referência visual e histórica para o projeto.

Lançamento do balão meteorológico a 38.500m, 2015. Vídeo 3 min 27 seg

Estratosfera vista a 38.000m, 2015 — 150×200cm

Ponto de Ruptura do Balão a 38.500m de altitude, 2015 — 100×80cm

Destroços do Balão na Estratosfera, 2015 — 122×150cm

Destroços do balão em terra, 2015 — 80×100cm

Azul do céu a 0m, 2015 — 80×65cm

Azul do céu a 5000m, 2015 — 80×65cm

Azul do céu a 10000m, 2015 — 80×65cm

Azul do céu a 20000m, 2015 — 80×65cm

Azul do céu a 38.500m, 2015 — 80×65cm

Vista da Exposição

Museu Nacional da República, Brasília, 2019

Texto Crítico / Critical Text

É um trabalho bastante estranho aquele que o artista Márcio Vilela, brasileiro a viver em Portugal, apresenta (até 13 de outubro) sob a égide da Ocupart, num apartamento do 4º andar do Consulado (e é muito mais interessante que a exposição de fotografias photoshopadas lá apresentadas). Estranho porque poderia simplesmente ser, não uma exposição artística, mas a apresentação de uma investigação científica: qual é a cor do céu? Os eruditos dirão que o céu é azul porque essa é a frequência luminosa na qual as moléculas da atmosfera difundem mais a luz do sol (se bem compreendi). E durante séculos, os pintores tentaram produzir esses tons de azul; os holandeses do século de ouro, banhados na sua luz húmida, foram os primeiros mestres nisso. Mas pintores e fotógrafos sempre foram muito mais fascinados pelos céus nebulosos, tormentosos, cinzentos e brancos: assim os famosos “Equivalents” de Stieglitz ou as composições temporais de Jacqueline Salmon. Para agradar ao artista, a pureza cerúlea é demasiado vazia, demasiado uniforme, e deve ser povoada de nuvens ou de estrelas.

Ele, Vilela, quer apenas um céu puro, mas quer isso em toda a sua diversidade, toda a sua profundidade, todas as suas nuances de azul: o seu projeto consistiu em prender aparelhos fotográficos e câmaras a um balão sonda que é elevado a 38 000 metros antes de explodir. Os milhares de fotografias do céu foram assim realizadas, a rarefação da atmosfera traduziu-se num escurecimento da imagem: é um Pantone de azuis que temos ali, mais rico do que qualquer catálogo de cores. O artista selecionou algumas imagens, da mais azul ao nível do solo à mais sombria no ponto mais alto da trajetória; no topo, sem atmosfera, é um negro de ausência que reina. Chegado a 38 km, o balão explode e a foto desse instante mostra o invólucro em farrapos em redor do núcleo. Os aparelhos descendem no final de paraquedas, e Vilela recupera-os. É um trabalho obsessivo de investigação, um processo que move o autor, porque (um pouco como Müller-Pohle) a máquina tira as fotos automaticamente e o artista seleciona de seguida, uma inversão da regra clássica: escolher o enquadramento do ponto de vista para fotografar. O artista não é mais um fotógrafo, no sentido de fazer fotografias, ele é o criador e organizador de um processo quase científico que leva a resultados visuais áridos e refinados. Este projeto é um pouco um beco sem saída: abandono de toda a pretensão estética para privilegiar o único programa. Os trabalhos anteriores de Vilela tinham a ver com a paisagem, que ele via um pouco como um espelho de si mesmo, e já tinha sido fascinado por outras imagens incertas, as névoas dos Açores, encobrindo quase toda a paisagem no cinza nebuloso das nuvens, o oceano visto de cima ou o “white out”: uma maneira, já, de privilegiar o olhar sobre o visto.

Texto de Marc Lenot para a Arte Capital, 2017

It is a rather strange piece of work that the artist Márcio Vilela, a Brazilian living in Portugal, presents (until 13 October) under the aegis of Ocupart, in an apartment on the 4th floor of the Consulado (and it is far more interesting than the photoshopped photography exhibition also on display there). Strange, because it could simply be, not an art exhibition, but the presentation of a scientific investigation: what is the colour of the sky? The learned will tell you that the sky is blue because that is the light frequency at which the molecules of the atmosphere scatter sunlight most (if I understand correctly). And for centuries, painters tried to produce these tones of blue; the Dutch masters of the Golden Age, bathed in their humid light, were the first masters of it. But painters and photographers have always been far more fascinated by cloudy, stormy, grey and white skies: hence the famous “Equivalents” by Stieglitz, or the temporal compositions of Jacqueline Salmon. For the artist’s taste, cerulean purity is too empty, too uniform, and must be populated with clouds or stars.

He, Vilela, wants only a pure sky, but wants it in all its diversity, all its depth, all its shades of blue: his project consisted of strapping cameras and photographic equipment to a sounding balloon that is raised to 38,000 metres before bursting. Thousands of photographs of the sky were thus produced, the rarefaction of the atmosphere translating into a darkening of the image: what we have here is a Pantone of blues, richer than any colour catalogue. The artist selected a number of images, from the bluest at ground level to the darkest at the highest point of the trajectory; at the top, with no atmosphere, it is a black of absence that reigns. Once it reaches 38 km, the balloon bursts, and the photograph of that instant shows the shredded casing around the core. The equipment then descends by parachute, and Vilela recovers it. It is an obsessive work of investigation, a process that drives the author, because (somewhat like Müller-Pohle) the camera takes the photographs automatically and the artist then selects, an inversion of the classical rule: choosing the framing of the viewpoint in order to photograph. The artist is no longer a photographer, in the sense of making photographs; he is the creator and organiser of an almost scientific process that leads to arid, refined visual results. This project is, in a way, something of a dead end: an abandonment of all aesthetic pretension in favour of the single programme. Vilela’s earlier work had to do with landscape, which he saw somewhat as a mirror of himself, and he had already been fascinated by other uncertain images — the mists of the Azores, shrouding almost the entire landscape in the hazy grey of clouds, the ocean seen from above, or the “white out”: already, a way of privileging the gaze over what is seen.

Text by Marc Lenot for Arte Capital, 2017